La Maison Européenne de la Photographie -  5 Rue de Fourcy, 75004

Certainement LA référence en matière de photo à Paris, la Maison Européenne de la Photographie est le lieu de prédilections pour tous les amoureux de la photographie contemporaine. Elle abrite un grand centre d’expositions, une bibliothèque spécialisée, une vidéothèque, un auditorium, ainsi qu’une très importante collection. Maison du regard, elle offre à un large public un accès privilégié aux trois supports de diffusion essentiels de la photographie que sont le tirage d’exposition, la page imprimée et le film.
Les façades sur rue, la ferronnerie ainsi que l’escalier central, représentatifs de l’architecture classique ont été conservés et sont inscrits à l’inventaire des Monuments historiques. Le lieu, en lui-même, vaut donc le détour, en plus de la richesse de son offre culturelle.

Du reportage à la photographie plasticienne, en passant par la photographie de mode et documentaire, sans toutefois négliger les ouvertures sur le passé, avec des expositions permettant d’éclairer l’histoire du médium. La collection de photographies est représentative de la création photographique internationale de la fin des années 50 à aujourd’hui. Constituée de plus de vingt mille œuvres, c’est une collection d’auteurs, composée de tirages originaux et de vintages.

La Galerie de l’Instant – 46, rue de Poitou, 75003

Cette petite galerie propose en ce moment une exposition passionnante sur le photo-journalisme. “Comme chaque année depuis 4 ans, le propos de cette exposition collective est de présenter des images de sensibilités et de styles très différents, mais ayant en commun la même humanité.” Ainsi, vous trouverez des clichés sur l’actualité récente, et d’autres plus vieux mais tout aussi sensible, comme la célèbre “fille à la fleur” de Marc Riboud.

La galerie expose aussi de façon permanente des clichés du célèbre Patrick Demarchelier, grand photographe de stars.

La Galerie Photo Originale - 24 rue Molière, 75001

Cette jolie galerie est un lieu dédié à la création photographique contemporaine. Tremplin pour les jeunes talents, lieu d’échange et de rencontre entre photographes, collectionneurs et amateurs d’art, son but est de démocratiser la photo d’Art. Toutes les photographies proposées sont tirées à 30 exemplaires maximum, numérotées et signées.

Un concept inédit, qui concilie à la fois le principe de rareté par les séries limitées, des prix attractifs, et un réel tremplin pour de jeune talents.

L’Île aux Images – 51 Rue Saint-Louis en l’Île, 75004

Cette petite galerie accueillante propose des photographies et des lithographies. Documents originaux, pour une collection rare, de Félix Nadar à Toulouse Lautrec, de Mucha à Cappiello. En mars et avril, la galerie expose une nouvelle sélection de photographies et de lithographie des 19éme et 20ème siècles, avec entre autres Alphonse Mucha, Jules Chéret, Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec, Brassaï, le mythique Robert Doisneau, et Man Ray

Images de Fer – 13 rue de Seine, 75006

En plein cœur de St Germain des Prés, cette galerie ouverte en 2009 se consacre à la photographie plasticienne, courant encore trop peu représenté dans les galerie contemporaine et dont elle se fait la première vitrine française. Au-delà de la simple prise de vue, le travail du photographe est ici intensifié, le souci artistique renforcé et conceptualisé dans toutes les étapes de la création. L’œuvre devient un vaste ensemble comprenant la prise de vue, la mise en scène, la taille, le tirage, le support, les retouches numériques, l’usage du photomontage ou du photocollage.

En une année et demie d’existence, la galerie Images de Fer a su réunir autour de son projet un noyau d‘artistes témoignant de la vigueur de ce courant artistique. Depuis son ouverture, la galerie a consacré pas moins d’une dizaine d’expositions monographiques d’artistes, qui ont permis de révéler à un large public des photographes comme Alain Pras*,  Christophe Hargoues, Jérôme Revon, et Jacques Honvault entre autres.

Le 29 – 29 Rue des Récollets, 75010

Le 29 est une librairie entièrement consacrée à la photographie. Vous y trouverez plus, en plus d’expositions éclectiques de photographes soigneusement sélectionnés, près de 3500 ouvrages connus et moins connus, aux thématiques variées. Pour l’actualité récente, vous y trouverez le livre “In the shadow of Things” de Léonie Hampton, dans lequel la photographe retourne dans la maison familiale pour y créer ses derniers souvenirs. Elle met en scène son entourage dans des situations intrigantes, et nous restitue sa collecte de vieilles photos extirpées des albums de famille. Elle fait alors renaître des souvenirs, dans une atmosphère brumeuse, inquiétante ou loufoque.

Une à deux fois par mois, des rencontres avec des photographes sont organisées, et constituent alors un lieu d’échange entre amateurs et professionnels. La librairie 29 propose aussi des « ateliers découvertes » pour les plus jeunes autour de thématiques variées liées à l’image et à la représentation.

Photo Art Size - 21 Rue du Faubourg Saint Antoine, 75011

Cette galerie d’exposition se consacre au photo-journalisme. Partant du principe que la photo d’Art n’est pas réservée aux seuls “artistes”, mais englobe bien tous les types d’utilisation et de maitrise du médium, elle nous livre des expos touchantes, et réhabilite la vision artistique du photo-reporter. Car au même titre que les photographes d’Art, ceux-ci ne prennent pas juste une photo, mais produisent une photographie. C’est à dire qu’ils en contrôlent tous les éléments : profondeur de champs, colorimétrie, cadrage etc… Le numérique leur a en plus apporté un travail de retouche en post-production des plus fines. Les clichés sont disponibles à la vente en tirage limité.

Yellow Korner - 8 rue des Francs-Bourgeois, 75003, et en tout 6 adresses à Paris !

YellowKorner veut donner un espace d’expression aux talents issus des différents courants de la photographie en conservant une exigence artistique élevée. Les galeries d’exposition et de vente, au delà d’un simple concept commercial de “chaîne”, ont pour but de se positionner en lieux de démocratisation de la photographies d’Art.

Yellow Korner vise à la rendre accessible à un large public, en allant à l’encontre d’un élitisme parfois trop poussé. Ainsi des artistes contemporains prometteurs côtoient de grands noms de la photographie (Yann Arthus-Bertrand, Dorothea Lange, Man Ray, Jean Dieuzaide, Bert Stern), ou encore des photographes d’époque (le primitif japonais Kimbei, Léon Gimpel). Pour YellowKorner, ils ont accepté d’augmenter exceptionnellement le nombre de tirage de leur œuvre sur une sélection de leur travail, pour proposer des tarifs à la vente abordables. Ces tirages sont exclusifs pour YellowKorner.

Toutes ces galeries sont destinées à un public passionné, novice ou expert. N’hésitez pas à nous faire part de vos impressions d’après-visite ! Nous reviendrons bientôt avec d’autres détours, par Lyon, Marseille, et d’autres villes de France.

Les amateurs de lomographie revendiquent une grande liberté de style, un côté hasardeux, spontané, une sorte d’art expressif et très accessible, loin des images ultra maitrisées de l’ère du numérique. Les lomographes ont ainsi fait leurs les règles suivantes :

“Emporte ton Lomo où que tu ailles.
Utilise-le à n’importe quel moment — jour et nuit
La lomographie ne fait pas intrusion dans ta vie, elle en fait partie.
Essaie la prise de vue sans viser
Approche-toi au plus près des objets que tu veux lomographier
Ne pense pas
Sois rapide
Tu n’as pas à savoir à l’avance ce que tu prends en photo
Après coup non plus
Moque-toi des règles !”

Un souffle de liberté caresse les passionnés de photos, et crée un mouvement d’amateurs décomplexés et enthousiastes. Très curieux, nous avons voulu rencontrer un de ces passionnés, afin de recueillir son témoignage et ses sentiments sur ce phénomène. Rendez-vous donc au Lomography Gallery Store, situé dans la Marais à Paris. Ouverte il y a maintenant un an et demi, cette petite boutique propose tous les types d’appareils et articles de photos dont peut rêver un lomographe.

le "Lomowall"

Après un petit tour d’observation à l’œil nu, pendant lequel notre regard se perd dans la multitude d’appareils colorés et le magnifique ”lomowall”, Alex, le manager, répond à quelques questions afin de mieux comprendre les subtilités de la lomographie.

Kubosphere: Quel est, selon toi, le premier attrait de la lomographie ?
Alex Guinamard: Certainement le fait que ce soit accessible à tous, par le côté amateur de la chose. La base de la Lomo, c’est l’expérimentation. Il n’y a pas de photos ratées. Parce qu’on recherche avant tout l’effet de surprise. Le côté non-maitrisé est totalement revendiqué, il n’y a pas trop de place pour le contrôle du moindre détail comme dans la photo pro et le numérique. C’est surtout un loisir, même si certains pro l’utilisent en complément. Et puis tout est manuel.

Il y a un grand côté ludique, les gens ont vraiment l’impression de faire quelque chose, de jouer avec le processus et la mécanique photographique, tout en gardant une part de magie. Il y a beaucoup d’effets disponibles avec les accessoires, plein de formats, on peut faire du panoramique, du stop-motion, ou encore superposer les clichés… Et les appareils sont entièrement mécanique, il n’y a pas de piles. Les photos sont juste issues simplement de l’enclenchement et de la projection de la lumière sur la pellicule.

K: Quelle est ta clientèle type ?
Toutes les tranches d’âge, tous les types, ce n’est vraiment pas segmenté. La Lomo n’est pas une histoire de puriste, c’est plus une sorte de communauté hyper ouverte, avec un esprit libéré des contraintes et des “diktats” de la photo classique. Quand on fait de la Lomo, on le revendique, surtout les jeunes. Ils ont totalement adopté le concept, et on en voit parfois qui choisissent un appareil comme un accessoire de mode !

appareil de la marque La Sardina, à l'esprit très fun

Et c’est vrai que c’est très trendy en ce moment, mais il n’y a pas que ça. Les appareils sont de vrais objets qu’on s’approprie, pas juste des mécanismes, ils ont un côté “jouet” décomplexé, et ils se customisent ! Avec les accessoires type flashs et filtres, les objectifs, quand on achète un appareil basique comme un Diana, on peut l’adapter à ses envies et vraiment le personnaliser. De manière générale, les gens qui rentrent dans la boutique ont soit l’envie de s’initier à la Lomo, soit une envie basique de retour à l’argentique. Ils sont fatigués du numérique et de son côté lisse, puis d’avoir 1600 photos sur leur disque dur sans jamais vraiment en profiter, sans le côté réel et physique du papier. En général, les gens ont envie d’un retour à l’authentique et au spontané, et ça fonctionne bien avec la Lomo et ses effets de surprise.

K: Justement, venons-y ! Quelles sont les différences entre tous ces différents modèles d’appareils ?
A: La base, et ce qu’on vend le plus et qu’on conseille souvent aux débutant, c’est le Diana.

Diana

C’est comme un Lego, il y a un côté jeu de construction, parce qu’on peut y ajouter tous les accessoires pour diversifier le type de prise de vue. Tu as la base, puis tu peux lui rajouter un objectif type “Fisheye” par exemple, comme sur les appareils du même nom, qui est bombé et donne l’impression de regarder à travers un judas.

objectif "Fisheye"

Tu peux aussi lui greffer un dos Polaroïd, histoire de pouvoir faire des clichés instantanés. On a les Colorsplash aussi, des appareils avec des filtres colorés devant le flash, qui se changent en tournant juste une petite molette. Ça donne des effets très artistiques ! Et c’est pareil, on peut aussi adapter des filtres comme ça sur le Diana.

appareil Colorsplash et ses filtres colorés

Le Holga est aussi un des appareils basiques, et c’est un des plus célèbres ! Il existe en tout petit format, qu’on appelle 110 et qui fait de toutes petites photos en vignettes, c’est très sympa. Après on a aussi des appareils panoramiques de 140°, jusqu’à 360° avec un manche rotatif, on appelle ça un “spinner”.

panoramiques avec manches rotatifs...

... et le résultat du spinner !

Le petit dernier, c’est le Lomokino, un peu notre star du moment. Il permet de faire des mini-films en stop motion, avec une manivelle. Il est très apprécié à la fois des photographes, mais aussi des passionnées de vidéos, qui y voient comme une sorte de réincarnation de la caméra super8. On peut en faire des vignettes, ou même des petits flipbooks, c’est assez jouissif.

Lomokino

C’est le genre d’appareil qui fait de la Lomo un médium très simple à utiliser et avec un très nombre de possibilité créatives … ça peut vite tourner en une véritable passion, voire une certaine obsession !

K: En tant que connaisseur, quel est ton article préféré ?
A: J’ai un gros faible pour le Lomo LCA.

LC-Wide

C’est l’appareil d’origine de la lomographie, qui était produit en Russie. Il donne vraiment un joli fini au photo, un très bel effet de couleurs. Il a été réédité en 1992 par deux autrichiens, qui ont alors largement contribué au succès de la lomo aujourd’hui !”

Kubosphere a eu un gros coup de coeur, non seulement pour le mécanisme de la lomographie en lui-même, mais aussi pour la philosophie qu’elle revendique. Créer des instantanés où se jouent une part de hasard, et une part de jeu, c’est retrouver de la spontanéité, de la créativité insouciante, et rendre encore plus précieux la capture des souvenirs. Tout cela revêt un joli caractère poétique, qui nous touche particulièrement.

Merci à Alex de Lomography Store pour sa passion communicative, et nous attendons avec impatience vos expérimentations ! Le Lomography Store que nous avons visité se trouve au 17, rue Ste Croix de la Bretonnerie dans le 4ème arrondissement de Paris, en plein Marais. En plus de la boutique, vous pourrez y trouver un labo photo pour vos développements argentiques. Ils donnent aussi des cours gratuits (!) de lomographie tous les mercredi à 18h, qui s’effectuent sur Diana et sont destinés à tous, débutant ou non. Une autre boutique est située au 6 place Franz Liszt, dans le 10ème.

Outre les souvenirs de petits plaisirs et expériences sensorielles propres à chacun, il existe dans l’imagerie collective un certain nombre de produits iconiques du quotidien, dont le pouvoir évocateur et le succès commercial ne semblent pas faiblir, et ce malgré une offre alternative de plus en plus en étendue. On pourrait citer en exemple des produits cosmétiques :

la crême Nivéa et sa formule blanche et épaisse

le savon Dove et son "quart de crême hydratante"

le savon Cadum et son célèbre bébé

ou quelques friandises, dont vous le constaterez un grand nombre commercialisées par Nestlé, marque presque de légende :

le chocolat en poudre Nesquik, compagnon des petits déjeuners

le lait concentré sucré, en boîte, tube ou berlingot, autre best-seller de Nestlé

le Galak, la "référence" des chocolats blancs en tablette

les yaourts La Laitière et leur petit pot en verre

Et aussi :

l'oeuf Kinder et ses surprises à collectionner

les mythiques et adulés bonbons Haribo

la boisson chocolatée Banania

la mythique et mondialement connue Vache qui rit

ou encore des produits en provenance direct des Etats-Unis, connus comme des icônes de la pop-culture nord-américaine, dont, pour ne citer qu’eux :

le ketchup Heinz et sa formule secrète si savoureuse

et, évidemment, l'indétrônable et très iconique Coca-Cola.

Ces produits phares disposent d’une image très forte, qui traverse les décennies sans jamais vraiment faiblir. Leur succès égal connait même un regain ces dernières années. En étant imprimés dans l’inconscient collectif, ils deviennent références, et cela dans une société de plus en plus adepte d’un certain “retour aux sources”, d’une consommation sensée et simplifiée, plus “émotionnelle”. En parallèle du retour de gammes de produits originels, naturels et authentiques (comme le savon de Marseille, best-seller intemporel au succès revalorisé par les adeptes de la slow-life), les produits mythiques des grandes marques gardent une place privilégiée.

Nombreux sont ceux qui, loin d’être attirés par des nouveautés toujours plus nombreuses et aux formules de plus en plus sophistiquées, préfèrent retrouver de façon intimiste un produit phare ayant accompagné des instants précieux de leur enfance. Les marques concernées l’ont bien compris, et jouent souvent sur le tableau de la simplicité. Pour la plupart, malgré quelques “relooking” plus ou moins important, l’image de marque et l’identité visuelle se pérennisent. Les formules, inchangées (ou si peu), restent dans les esprits des basiques intemporels, gages de qualité, et des répères rassurants dans le temps, qui inspirent alors confiance et fidélité.
En cosmétique, les best-sellers sont des produits basiques, inventés à l’époque où les procédés chimiques étaient peu développés. Ce sont généralement des produits naturels, qui par conséquent ne provoquent pas d’allergie, et les consommateurs apprécient ces cosmétiques simples et bio quelle que soit l’époque. Ainsi, la fameuse boîte bleue de la crème Nivéa, modèle de longévité.

Evolution du pot bleu de la crème Nivéa

La boîte bleue métallique et sa pellicule en aliminium (souvent récalcitrante), cette odeur douce, cette texture fraîche et enveloppante, ont fait d’elle un classique, un “must-have” de toute salle de bain, tout âges, sexes et styles de vie confondus. La formule, inchangée depuis sa création, est pour beaucoup une recette cocon, un plaisir simple sans fioritures d’additifs, et promue sans slogans marketings branchés et pointus, parfois perçus comme un peu douteux. Elle reste le best-seller de la marque, et ce malgré une offre de produits annexes aux textures plus légères et aux packagings plus modernes.

Dans un domaine plus gourmand, La vache qui rit est elle aussi un exemple probant (et souvent cité dans les études marketing), d’un produit mythique à l’image chargée de souvenirs et présent aux quatres coins du globe.

changements successifs du packaging de La Vache qui rit

En matière d’alimentaire, la création d’une iconographie autour d’un produit est souvent un gage de succès. De recette inchangée, et pourtant d’un simplicité déconcertante, le petit triangle de fromage touche le consommateur par son côté intemporel, son goût si caractéristique. Représentant la moitié des achats de “fromages pour enfants” dans le monde (!!), elle a su imposer une image bon enfant et familiale, rustique, presque bucolique et proche du consommateur, sans pour autant être un réel produit “du terroir” (son prcessus de fabrication reste très industriel). Elle fait désormais partie intégrante des ingrédients de certaines recettes familiales, comme par exemple la fameuse soupe “courgette-vache qui rit”, recette familiale très savoureuse et douce qui est aujourd’hui un classique des diners familiaux.
Sa vache rouge rieuse détient quant à elle une réelle identité d’icône de la pop-culture contemporaine. Elle est pourvue, comme toute star digne de ce nom, d’une offre de produits dérivés plutôt atypique pour une marque de fromages :

la peluche pour les enfants, un classique

la figurine pour les collectionneurs

et son livre dédié, presque une biographie de star

Dans la même veine des “égéries”, on pourrait aussi citer les personnages originaux et très populaires des céréales Kellogg’s.

Smacks, Coco, Tigrou et les autres

Comment ne pas se souvenir des petits déjeuners sucrés et ludiques en leur compagnie, à jouer sur le dos des boîtes de céréales, et à comparer les différentes variétés d’un air gourmand. Très prisés des jeunes générations, ils ont presque aujourd’hui une image populaire d’un groupe de héros de dessins animés.

Et il y en a sûrement d’autres ! Chacun aura plaisir à replonger dans son passé, et à se remémorer des propres petites “madeleines de proust”. Saveurs, sensations, pour des souvenirs de moments si simples, si quotidien, et si précieux. Car c’est souvent dans ces brefs instants, qui se répètent au fil du temps et ne changent que très peu, que l’on touche alors d’un coup au pouvoir évocateur des petites choses, et à la force émotionnelle qui s’en dégage si simplement.
Nous attendons avec plaisir vos contributions, vos petites histoires et anecdotes. Une fois de plus, nous souhaitons vous inviter à plonger avec nous dans les richesses évocatrices du souvenir.

Les années 80 étaient bercées d’une envie irrépressible de modernité et de progrès, de nouveauté, et teintées d’un consumérisme à l’américaine en pleine explosion qui venait alors contrebalancer les utopies hippies des années 70. On assiste à une envie d’indépendance forte, de la part des femmes bien sûr (les fameuses “working girls”), mais aussi de la société en général. Les innovations technologiques accompagnent l’explosion du secteur des services, et forment les premiers vrais balbutiements de l’image de l’homme moderne. En voici quelque unes :

Le Minitel, ancêtre d'Internet et fierté française

Le premier téléphone portable, par Motorola

L'Osborne 1, premier ordinateur portable

Le Compact Disc

La carte à puce, autre invention française

Outre ces innovation, les années 80 ont aussi connu un grand nombre d’icônes populaires. Du people (c’est à cette époque l’apparition de la “Jet-Set”) au chanteur (la liste “musicale” n’en finit pas…), en passant par des personnages fictifs emblématiques, la décennie fut marquée par un foisonnement de personnalités éclectiques, et dont certaines sont encore aujourd’hui présentes sur le devant de la scène :

Casimir, monstre gentil adoré des enfants

Goldorak, idole des petits garçons...

... et Barbie, idole des petites filles

Dorothée, présentatrice star du Club Dorothée

Coluche, comique mythique engagé

Chantal Goya et ses chansons enfantines

Daniel Balavoine, chanteur au grand coeur

Bernard Tapie, homme d'affaire symbole des "années fric"

Pierre Desproges, comique aux sarcasmes caustiques

Inspecteur Gadget

La troupe du Splendid (Christian Clavier, Marie-Anne Chazel, Gérard Jugnot, Bruno Moynot, Josiane Balasko, Thierry Lhermitte), et leur fameux films "Le père Noël est une ordure" et "Les bronzés"

Véronique et Davina de Gym Tonic

E.T., du film mythique de Steven Spielberg

Madonna, Reine de la Pop...

...Michael Jackson, Roi de la Pop...

...et Mylène Farmer, notre Reine de la Pop à la française (saviez-vous qu'elle avait inspiré Madonna ? )

Parmi ces personnalités, certaines ont particulièrement marqué leur époque par leur grande liberté de ton, et des carrières souvent longues et prolifiques. Selon vous, est-il encore possible, aujourd’hui, de faire preuve d’un tel élan et d’une telle originalité ?

Les eighties ont été d’une très grande créativité, portées par un boom de la consommation dont l’avènement fut intensifié par l’essor de la publicité. En plongeant dans la décennie, on se souvient facilement d’une multitude d’objets et produits du quotidien, qui constituent alors une ambiance aux souvenirs tenaces. Comme la madeleine de Proust, leur évocation nous fait revivre des petits instants, et émotions d’un passé qui nous parait soudain si proche, et si insouciant. Ainsi, à cette époque :

On se casse la tête sur un Rubik's Cube, sans jamais vraiment le finir

On collectionne les Fantastickers de Panini, ...

... les pin's, ...

... et les distributeurs de bonbons Pez !

On lit le mythique magazine Top 50,...

...OK! Podium,...

et le célèbre Salut les Copains !

Canal+ fait son apparition

Les canettes de soda et autres boissons arrivent en France

Les bubble-gums si colorés envahissent nos bouches...

... comme les Raiders, actuels Twix

SOS Racisme crie "Touche pas à mon pote !"

Notre Walkman ne quitte pas nos oreilles.

Et la liste ne s’arrête pas là, évidemment. A partir de ces quelques exemples, nous espérons juste vous faire revivre un peu de cette époque, que beaucoup qualifient de bénie. Chacun aura certainement ces exemples de prédilection, et nous vous invitons avec plaisir à participer à ce petit exercice de voyage dans le temps !

Nous attendons avec impatience vos témoignages, vos commentaires, pour encore une fois échanger sur le thème si riche, et si précieux à nos yeux, du souvenir.

En tant qu’entreprise ayant fait de la photo son inspiration principale, il semblait judicieux à Kubosphere, aujourd’hui, de rendre hommage à Kodak. Actuellement en difficulté (la société a été mise en faillite le 19 janvier), cette marque mythique d’articles photo fait partie intégrante du souvenir collectif. Dotée d’une image forte et ludique, elle a contribué à démocratiser la photographie amateur en proposant très tôt des produits abordables et de qualité.

Revenons brièvement sur l’historique de la marque. La société fut créée en 1881 sous le nom de Eastman Dry Plate Company (Compagnie des Plaques Sèches Eastman) par Georges Eastman. Le nom Kodak apparaît en 1888, avec le lancement des premiers appareils à pellicule photographique. Dans le langage populaire, le mot « Kodak » servit longtemps à désigner tout appareil photo destiné à l’amateur. Au milieu des années 1960, Kodak employait près de 80 000 personnes dans le monde.

Rarement une marque technologique spécialisée a pu se targuer de laisser dans l’inconscient collectif une image aussi forte. La collaboration qui a certainement le plus marqué les esprits est celle que la marque entretenait avec Jean-Paul Goude, photographe célèbre à l’esprit très ludique et populaire. On se souvient tous des fameux personnages en maillot rayé et bonnet à pointe, qui sont devenus au fil des publicités des icônes de la marque.

On se souvient aussi des pellicules Kodachrome, à l’emballage jaune et rouge, qui assuraient un joli rendu des couleurs.

L’objet fétiche qui nous aura certainement le plus marqué, est le fameux appareil photo jetable. Lancé au milieu des années 80, vendu à un prix très abordable, ce dernier a accompagné nos évènements familiaux comme nos premiers essais artistiques. Objet “pionnier” du concept de jetable, il nous a aussi permis, enfant, de partir avec en colonie de vacances sans que nos parents ne se soucient de leur fragilité. Sa facilité d’utilisation, rythmée par le son caractéristique de la petite molette qui faisait avancer la pellicule,  nous permettait, de mitrailler les instants précieux avec une candeur et un côté ludique, qui resteront dans nos mémoires.

Nos habitudes photographiques ont aujourd’hui changé de formes depuis l’apparition du numérique. Mais la nostalgie nous envahit toujours en repensant à notre excitation, quand on apportait notre petit boitier en plastique chez le photographe et qu’on trépignait d’impatience à l’idée de découvrir nos clichés pris à la hâte, souvent approximatifs, mal éclairés, mais qu’importe.

En repensant à tout cela, il est évident que Kodak a marqué son époque de façon intimiste. Nous avons alors demandé à des lecteurs de nous exposer leurs impressions, sentiments, et souvenirs, en rapport avec la marque jaune et rouge, et la façon qu’elle a eu d’accompagner leur moments passés.

Giulia, 22 ans : “Ça m’évoque la période où ma maman était photographe et qu’elle développait ses pellicules dans la cuisine avec la lumière rouge pendant que je jouais à la dinette par terre. Ça me rappelle le jetable aussi, que tes parents te confiait avant que tu partes en colo. L’attente avant de voir les résultats en rentrant, rire de voir les photos que des gens avaient pris dans ton dos en subtilisant appareil. “

Julien, 26 ans : “C’était surtout l’argentique. Apporter l’appareil jetable fini chez le photographe, et trépigner en attendant la pochette en papier. C’était… se fâcher contre les dix photos noires ou sous exposées, se fâcher encore plus contre ce pouce qui gâchait tout. Être tout fier quand Kodak collait un petit papier sur les photos qu’ils trouvaient au dessus de la moyenne et pour lesquelles ils t’offraient un agrandissement gratuit. Le bonheur de tomber sur un jetable oublié et non développé. Le crik crik de la molette, arriver à la fin de la pellicule et la faire tourner pendant des heures.“

Tiago, 24 ans : “Je me souviens de mon premier KODAK jetable, qui fut d’ailleurs le premier appareil photo confié à mes mains et yeux curieux. Du haut de ma dizaine d’année et aucune connaissance de la photographie, je m’en armais pour arpenter les remparts de Provins, sortie scolaire oblige, j’étais accompagné par de joyeux lurons qui accouraient à chaque session de capture d’âmes. Inutile de préciser que ces photos n’étaient qu’une suite de clichés flous d’aigles en mouvement, de remparts tranchés à la scie, de paysages obliques et d’instants groupés. Des souvenirs comme ça, ma mémoire visuelle en fourmille. Aussi loin que je me souvienne, ma mère a toujours choisi Kodak pour ses pellicules.”

Avec la tendance qui pousse chacun à s’essayer à la photographie créative, on ne peut s’empêcher de ressentir un peu de tristesse devant la faillite d’une marque aussi proche de nous. Il est d’ailleurs fort probable que les appareils Kodak deviennent des pièces recherchées, au même titre que les Polaroïds, dont la production s’est arrêtée brusquement en 2007. Ou encore dans la lignée des appareils argentiques de lomographie type Holga, très appréciés des jeunes branchés et des créatifs, pour leur mécanisme ludique et leur rendu patiné.

Et vous, des souvenirs de Kodak à partager ? N’hésitez pas à nous faire part de vos témoignages !

Vous permettre de remettre en lumière vos souvenirs photographiques, et par là d’initier un véritable voyage dans votre mémoire est le premier but de Kubosphere. Loin d’être simplement la réponse à une opportunité commerciale, le concept répond à un besoin quasi-universel de faire vivre la mémoire, de la transmettre, de la raconter. Mais d’où vient ce besoin ? Quel est, au fond, le réel but du souvenir ?
La question est évidemment très large. Elle invite à des réponses pointues, des analyses dans une multitude de domaines tels que la philosophie, la psychologie, les Arts, etc. Pour introduire notre réflexion, commençons donc par jouer un peu, le temps d’un petit voyage dans le temps

Chacun de nous possède au fond de sa mémoire une série d’évènements, caractérisés par des images, des impressions, des sons, des mots. La petite magie de la photographie est qu’elle capte, de façon instantanée, des morceaux de ces souvenirs, qu’elle capture le fugace présent en le fixant sur pellicule, et nous permet donc d’en garder une trace physique par le visuel. Prendre une photo comme support à la réflexion est donc un premier moyen facile pour plonger dans notre mémoire.

Le jeu que nous vous proposons est le suivant : allons fouiller en haut de nos armoires et sous nos lits, dans nos vieilles boîtes à photos, albums, fonds de tiroir, et sélectionnons quelques clichés disparates, si possible plutôt datés. Puis rassemblons-les dans une boîte, pour y plonger la main, et attraper au hasard une image qui sera le point de départ de notre jeu. Les règles sont très simples, il suffit de sauter dans la photo comme Mary Poppins dans les dessins de Bert, et de se remémorer les détails qui constituaient au moment de la prise de vue le contexte du souvenir. Ce qui, en quelque sorte, en fait sa valeur.

On peut s’attarder d’abord tout simplement sur la date, l’heure et le lieu. C’est évidemment encore plus amusant quand les deux premiers ne figurent pas sur l’image, et que la mémoire doit s’étendre et travailler afin de reconstituer un enchaînement et un ensemble d’évènements. Une sorte de chasse aux trésors,  dans notre mémoire !

Puis continuons le voyage, en nous arrêtant en chemin sur les personnes présentes sur l’image, et essayons de nous remémorer celles qui étaient là à l’instant où l’obturateur s’est déclenché. Ce cercle représentera en quelque sorte la zone de dispersion du dit souvenir. Il concernera les personnes qui ont vécu l’instant capturé, et pourra nous permettre ensuite d’échanger nos impressions sur le même souvenir. Une façon d’enclencher un dialogue souvent plein de richesses ! Vous serez certainement curieux de voir de quelle manière, quand on creuse un peu chaque récit et ressenti, un souvenir en apparence commun peut être vécu de manière très différente selon chacun.

On peut ensuite bifurquer et s’attarder sur l’époque même de la photo, en s’attardant sur le contexte plus général. Se souvenir de l’année, du mois, des évènements proches qui ont touché les personnes présentes et leur entourage, de ceux qui en appellent plus à la mémoire familiale et à la mémoire collective, et peut-être même des évènements déclenchés directement par l’instant capturé.

Il peut aussi être intéressant d’essayer de reconstituer dans son esprit notre humeur du jour, en prenant du recul et en se rappelant d’un point de vue intime la période de notre vie dont la photo est le témoin. Faire ressortir, en quelque sorte, l’impression générale de l’instant, et la comparer avec celle que la photo nous évoque au premier abord. La photo est-elle fidèle au moment qu’elle immortalise? Y a-t-il une différence entre le souvenir ressenti et l’image que la photo renvoie ?

Le souvenir peut aussi, par le biais de ce petit jeu, faire appel à notre imagination. La photo que vous tenez entre les mains contient certainement des éléments un peu incongrus, des personnes ou même des objets qui y apparaissent par accident, ou qui passent inaperçus au premier regard. Vous pouvez d’abord vous amuser à les déceler, puis à les commenter, et pourquoi pas imaginer leur histoire, leur provenance, la raison de leur présence sur l’image…

Le but d’un tel jeu est surtout d’ouvrir une discussion, de solliciter votre mémoire, et de se remémorer d’agréables moment marquants. Il pose la question de la photo en tant que support de souvenir ou souvenir en soi, en essayant de comprendre si elle est une fenêtre ouverte sur le passé, ou plutôt une manière de réinterpréter ce passé. Il permet à un cercle intime de mieux se connaître, et est dans ce sens très intéressant à proposer dans divers cadres familiaux ou amicaux, en réunissant les générations. Il n’a pas de limite, chaque sujet ayant pour départ un élément de la photo pouvant faire boule de neige et en évoquer une infinité d’autres. Le jeu n’est évidemment pas figé, il ne tient qu’à vous, en partant de nos propositions, de lui donner plus ou moins de cadre et de règles, de l’enrichir par des devinettes, des quizz, ou même de l’élargir à d’autres formes de souvenirs. Ceci peut devenir un rituel hebdomadaire au sein de votre foyer, un moyen de faire revivre votre propre histoire, et de l’interroger. Que pensez-vous de cette démarche ? Qu’avez-vous ressenti en voyageant ainsi dans votre mémoire ? Quel est, à vos yeux, le rôle du souvenir dans la vie de chacun ? Nous attendons avec impatience vos premières impressions, réflexions, suggestions… !

Ainsi, au fil des semaines, nous tâcherons, par le biais de rencontres et de témoignages, d’anecdotes et d’histoires de mémoires, de répondre à cette question universelle, et essentielle : quel est le but du souvenir ?

(Source images : Google image)

]]> http://blog.kubosphere.com/2011/12/08/le-but-du-souvenir-1-petit-jeu-entre-proches/feed/ 0 souvenirs-famille-412520 kubosphere 1929 Sans titre souvenirs-famille-513690 http://blog.kubosphere.com/2011/06/11/petite-histoire-de-la-diapositive-et-numerisation/ http://blog.kubosphere.com/2011/06/11/petite-histoire-de-la-diapositive-et-numerisation/#comments Sat, 11 Jun 2011 09:48:34 +0000 kubosphere http://blog.kubosphere.com/?p=32 ]]> Pendant des décennies, elle a été un des supports photographiques les plus appréciés à travers le monde et particulièrement en France. Reconnue notamment pour sa longévité, la qualité de ses couleurs bien saturées et de ses contrastes, ainsi que la taille des images projetées, la diapositive a permis d’immortaliser au fil des années les souvenirs les plus précieux de tout un chacun.
Les diapos font également parti des supports que nous numérisons le plus chez Kubosphere, et en tant que passionnés, nous avions envie de vous faire partager son histoire.

Exemple de diapositives 24mmx36mm

Des origines lointaines

Projeter une image grâce à une source lumineuse, une lentille et une image transparente? L’idée ne date pas du siècle dernier, ni même de celui d’avant qui a pourtant vu naître la photographie! Cette idée remonte au IIème siècle av. J.-C. lorsque les premières “Lanternes Magiques”, ancêtres des projecteurs de diapositives, sont apparues en Chine. Il a toutefois fallu attendre deux mille ans et l’invention du film photographique pour arriver à la fameuse diapositive 24mm x 36mm que nous connaissons tous. Après les premières découvertes en la matière au XVIIIème siècle, ce sont surtout deux progrès majeurs qui ont catalysé le succès exceptionnel des diapos dans la seconde moitié du XIXème siècle.

Il s’agit d’une part de l’invention de petits appareils photos pour pellicules de 35mm et surtout leur production en masse qui a permis une démocratisation massive de la photographie auprès des particuliers. Parmi ces appareils se trouve le fameux Leica, à l’origine duquel figure Oskar Barnack, ingénieur allemand souvent considéré comme le père de la photographie en 35mm. Il commence à mettre au point son appareil en 1913 au sein de l’entreprise Leitz (rappelons que la marque Leica vient de LEItz CAmera), mais en raison de la première guerre mondiale ce n’est qu’à partir de 1925 que cet appareil photo commence à être produit en série.

D’autre part, le second événement à l’origine de la diapositive est l’invention d’un film couleur positif (c’est-à-dire où la photo est directement visible sur la péllicule, à l’inverse d’un “négatif” où les couleurs sont inversées). Le fameux film Kodachrome, qui fut le plus vendu au monde, est mis au point par l’entreprise Eastman Kodak en 1935, d’abord pour le cinéma, puis à partir de 1936 pour la photographie. De manière assez surprenante, ce ne sont pas des photographes mais des musiciens qui ont inventé ce film couleur : Leopold Godowsky et Leopold Mannes. La diapositive, qui a fait pendant 70 ans le bonheur de millions de photographes et a permis de figer dans le temps tant de moments précieux, est née.

L’heure de gloire

C’est à partir des années 1950 que la diapositive prend véritablement son envol, et en particulier le film produit par Kodak, le fameux Kodachrome. Celui-ci apporte une excellente qualité tant en termes de couleurs, de luminosité et de contrastes que de longévité, ce qui en fait le support idéal pour capturer et conserver les moments importants de sa vie : ses voyages, les fêtes de familles, le quotidien, etc… En raison de sa qualité quasiment inégalée (seuls les meilleurs appareils photos numériques d’aujourd’hui arrivent à capter la même finesse et les mêmes couleurs), il est également particulièrement apprécié des professionnels, pour le journalisme et l’archivage en particulier.

Diapositive datant de 1981 numérisée par Kubosphere

Avec ce film couleur particulièrement complexe à développer, Kodak introduit un système de vente tout à fait nouveau : les péllicules sont vendues avec une enveloppe jaune dans laquelle les clients glissent leur film une fois les photos prises afin de les envoyer à un laboratoire Kodak. Ils reçoivent ensuite par courrier le films développé et monté sur un cadre en carton : les diapositives n’ont plus qu’à être projetées.

La fin

Ce sont des milliards de photos qui ont été prises sous la forme de diapositives lors de la seconde moitié du XXème siècle. Mais l’avènement de la photo numérique à partir du début des années 2000 a mis un coup d’arrêt fatal à ce succès sans précédents. La dernière pellicule Kodachrome est ainsi développée en 2010. Mais l’histoire de la diapositive est-elle fini? Non.

La renaissance

Le monde numérique offre des avantages considérables pour la photo : on peut les partager et les copier à l’infini, les organiser à sa guise et les avoir toujours à disposition sans matériel lourd à mettre en place. Chez Kubosphere, nous sommes des passionnés, spécialisés dans la numérisation de vos diapositives, photos et négatifs. Ainsi, grâce au service de numérisation de Kubosphere, nous vous permettons de redécouvrir tous ces souvenirs inoubliables, pour vous ou pour offrir à vos proches, et nous mettons toute notre énergie à vous offrir le meilleur service en termes de qualité, de prix et de délais. Tous ces souvenirs capturés sur des  diapositives ont donc de l’avenir!

Et vous, quelles sont vos anecdotes concernant la grande époque des diapos?

La première raison est la plus évidente : en général les tirages papiers ont déjà beaucoup vécus : ils sont passés de mains en mains pendant des années, ils ont pu être écornés et sujets à des rayures ou des tâches, ce qui a petit à petit dégradé l’image. En revanche, les négatifs sont généralement conservés dans des pochettes et sont très peu manipulés ce qui les laissent intacts.

En outre, les négatifs ont une bien meilleure robustesse face au temps qui passe : ils représentent la photo directement sur la pellicule et généralement ils conservent la couleur et la netteté originelles de la photo, alors que les tirages papiers, vous l’avez sans doute déjà constaté, perdent très vite de leur éclat : les photos jaunissent et les couleurs s’altèrent.

La troisième raison qui abonde en faveur des négatifs est la résolution de numérisation que l’on peut obtenir : pour faire simple, la finesse de la pellicule (les négatifs, donc) est bien supérieure à celle des photos papier. Ainsi il est possible de numériser les négatifs à une plus haute résolution en DPI. N’oubliez pas que le tirage papier est une copie du négatif et ne contient donc pas autant de détails que la pellicule originale. En numérisant le négatifs, on obtient donc toutes les nuances et les détails de la photo telle qu’elle a été prise.

Enfin, il y a le “côté pratique” : vos photos papiers sont peut-être dans des cadres ou collés dans des albums, et vous n’avez peut-être pas envie de chambouler cette organisation. Dans ce cas, si vous numérisez vos photos à partir des négatifs, les photos papier peuvent rester là où elles sont pendant tout le processus de numérisation. De plus les négatifs sont plus légers et moins volumineux que les tirages papiers ce qui simplifie leur transport lorsque vous nous les envoyez pour la numérisation.

Toutefois si vous ne possédez pas ou plus les négatifs de vos photos préférées, il n’y a pas de problème : notre service de numérisation inclut une retouche manuelle de chacune de vos photos pour éliminer les traces et les rayures (pour chaque photos, deux images numériques vous seront livrées : l’image brute telle qu’elle sort du scanner et l’image corrigée de ses tâches et rayures).

Maintenant que vous conaissez les argument en faveur de l’une ou l’autre solution, il ne vous reste plus qu’à choisir quel type de numérisation de photos vous convient le mieux!

www.kubosphere.com
 

En effet le principal risque pour toutes ces photos papiers et pour les diapositives, au-delà de leur détérioration naturelle, est l’oubli : elles restent des années durant au fond de tiroirs ou de boites à chaussures et sont, bien souvent, il faut le dire, mal organisées.

L’objectif de Kubosphere est de ramener à la vie tous ces souvenirs, permettre de les partager plus facilement si vous le souhaitez, et pouvoir une fois pour toute les organiser et les avoir toujours à portée de main. Notre mission? “Rendre hier et ailleurs accessible ici et maintenant”…La première étape? Nous lançons cette semaine notre service de numérisation de photos papiers et de diapositives, après deux mois de tests qui nous ont permis de définir au mieux nos processus, et de vous garantir la meilleur qualité de numérisation pour vos photos.

Comment ça marche? Avec Kubosphere, la numérisation de vos photos n’a jamais été aussi simple : vous nous faites parvenir vos originaux, nous les numérisons avec du matériel professionnel puis nous vous les renvoyons accompagnées d’un DVD contenant vos images numérisées. Vous trouverez plus d’information sur notre site web www.kubosphere.com .

Vous serez surpris par l’émotion de revoir tous ces souvenirs, véritables portes ouvertes sur le temps, que vous pourrez enfin partager facilement avec vos proches et votre famille sur votre écran plat HD, sur votre ordinateur, sur votre tablette électronique, par email, à travers les réseaux sociaux ou encore en les faisant ré-imprimer dans un album photo.

Bref, en numérisant vos anciennes photos papiers et diapositives, vous vous ferez plaisir à vous même, mais également à toutes les autres personnes qui ont partagé avec vous ces moments inoubliables!